Haruko TANIUCHI

知覚する風景    Perceiving the Landscape 

谷内春子展        Haruko Taniuchi solo exhibition

2024.10.26sat.-11.17sun. (close mon./tue./wed.)＠2kwgallery

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「知覚する風景」

　これまで私は『作庭記』を参照した〈景〉という言葉を自分自身の中でキーワードとして扱ってきました。その言葉を今あらためて自分自身の興味に照らし合わせると「見立てる」時に生まれる知覚感覚そのものに、今も共通している部分があるのではないかというふうに考えが至りました。

例えば、小さな石を大きな山として、見る・見立てることは、認識の変化、知覚の変化、感覚の行き来のようなものがダイナミックに行われており、見立てる「景」は、ものの見えのダイナミズムを、端的に表していた言葉だったかもしれないと思ったのです。

　絵と対峙するなかでは、いかに様々なことを想定し、確認し、認識しているのか、ということに興味を持っています。描くときどきに変化する状態を少しでも残すようにして描き進めているのかもしれません。そのような視覚の楽しみを表現できたらと考えています。​

谷内春子​

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知覚する風景画

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　風景を描けば風景画なのか。人が風景を見るとき、何を見ているのか。谷内春子の絵画は、風景に対する疑問からはじまった。谷内の絵画は一見すると山型や四角形などを描いた抽象絵画に見える。だが、これらは山や湖、田畑、鉱物など実際の風景や物を写生し、色やかたちを線や面へと抽出して岩絵具で描いた絵画なのだ。

　谷内の絵画の根底にあるのは、平安時代に書かれたとされる日本最古の庭園書『作庭記』から見出した「景」という造形原理である。庭は石や木、苔など自然物で構成されるが、ありのままの自然ではない。枯山水では、方形のなかに石を山に見立て、白砂で水の流れをあらわすなど、現実とは異なる素材や縮尺、思想、建築や周囲との関係のなかで自然の「風景」が再構成される。

　『作庭記』によれば、庭作りは「石を立てる」ことからはじまる。谷内の絵画では庭園における「見立て」を取り入れ、石を立てるように色を置き、風景を伸縮し、絵画空間と展示空間を行き来する作庭的な絵画を制作してきた。

　2022年頃からは三角形や四角形のプリズムがモチーフに選ばれる。プリズムとは、光を分散、屈折、反射させて「虹を立てる」透明なガラスや水晶である。谷内は光の分散や屈折などの光学現象を鮮やかな色彩や幾何学的なかたちに還元し、抽象的、浮遊感のある抽象風景画へと展開させた。さらに、支持体に半透明の絹やテトロン紗を用い、借景のように現実の展示空間を取り込む試みをしてきた。
　では谷内の絵画はなぜ「風景」ではなく、「景」を主題に描くのだろうか。それは、現実に即した特定の「風景」を再現的に描くのではなく、庭のように多義的な見え方をもつ「光景」や「景色」を組み立てるためである。

　庭に限らず風景の特徴とは季節や視点によって、見え方が変わることにある。谷内がこれまで描いてきた山や川、鉱物、虹、光などはかたちをとどめない移ろう光景だった。谷内はこうした瞬間的な光景や感覚を石の結晶・粒子である岩絵具で描くのだ。

　風景とは瞬間であり、断片的で儚い（ephemeral）ものである。エフェメラルとは一時的やつかの間、儚いなどを意味し、ギリシャ語で1日しか存在しえないものを指す。言うまでもなく、日本画は季節の変化や日常の機微などエフェメラルな感覚を表現してきた。谷内の絵画の根幹にも日本画のエフェメラルな風景観が流れているだろう。人が知覚する風景とは一時的でその瞬間に消えてしまう。プリズムによって「光（虹）を立てる」ことで生まれる絵画を前に、私たちは何を知覚するだろうか。庭を見るように、絵画を眺めたい。

平田剛志　(美術批評)

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​展覧会レビュー

光の見立て――谷内春子「知覚する風景」展
 

　風景を知覚する経験をどのように描くのか。2kw galleryで開催された谷内春子の「知覚する風景」展は、一見すると「風景画」らしくない。中央に描かれた四角形の周囲に色とりどりの直線や弧線がリズミカルに描かれた抽象絵画である。だが、これらのかたちは、プリズムの分散、屈折、反射による光学現象が生む光の風景をモチーフに描かれた「風景画」なのだ。以下では、「知覚する風景」とは何か、谷内がテーマとしてきた風景観とその背景にある日本文化の見立てについて考察をしていきたい。

　谷内の絵画の特徴は、湖や山、植物、鉱物などの風景や自然物の写生を描き重ね、それらを抽象化した「風景」である。谷内がこれまで制作の参照にしてきたのは平安時代に書かれた日本最古の庭園書『作庭記』から見出した石や樹木などのパーツを組み合わせて庭園を構成する「見立て」だった。ある対象を別の何かに見立てる行為は、日本では和歌や茶の湯、生け花、歌舞伎や絵画など、さまざまな領域で用いられてきた。日本庭園の枯山水では、石を山や島に見立て、白砂で海や水の流れをあらわすなど、現実とは異なる素材や縮尺で自然や思想を見立てた「風景」を構成している。谷内はこの庭園における見立てを絵画空間へと応用し、絵画を制作してきた。2022年頃からは三角形や四角形のプリズムをモチーフに、光の分散や屈折などの光学現象を鮮やかな色彩やかたちに還元し、抽象的、浮遊感のある抽象風景画へと展開させた。さらに、支持体に半透明の絹やテトロン紗を用い、借景のように現実の展示空間を取り込む試みをしてきた。

 

　今回の「知覚する風景」展では、光を見立てた絵画が並んだ。2kw galleryの1階には、プリズムの光の現象を描いた大作《Nature》、《Echoing Light》、《Wave》、《光の景》など6点が展示された。青や薄緑、橙の地を背景に青や銀箔による長方形のプリズムが揺らぐように描かれる。その周囲には黄や青、緑などの直線や弧線がリズミカルに配置され、光の乱反射や浮遊感をもたらす。

　これらの図像は2枚のパネルないし1画面が上下に分割され、同じモチーフが差異を伴って反復する。こうした画面の分割により、光のスペクトルの移ろいがあらわされる。銀箔は見える位置や角度によって見え方が変化し、プリズムのように多様な見方や解釈へと誘う。

　また、背景の風景を庭に取り込み、構成要素とする「借景」の作庭技法を絵画に応用したのが踊り場に展示された《Reflection》（テトロン紗、膠、岩絵具、銀箔）である。メッシュ地のテトロン紗が貼られたパネルに岩絵具や銀箔の線が交差する本作は、支持体と壁面との間が浮いている。遠目から見ると、まるで絵の具が浮遊しているように見えるが、壁面には線描の影が反射して立体的な奥行きを作り出し、近景と遠景が一体感をもって鑑賞される。以上のように、本展の谷内の絵画は、色彩や線、色面が遠近感や浮遊感、奥行きをもった風景として知覚させる絵画だった。

 

　では、谷内の描く「風景」は、なぜ距離感や浮遊感があるのだろうか。青木茂によれば東洋における「風景」は「「風」は空中の動きのある大気で、「景」は光、ひざし、ひかげを意味している。だから、本来、自然の気象、天候などの現象を指している。」[i]という。つまり、谷内の絵画における「風景」とは、東洋や日本絵画における光の「景」を意味しているのではないか。

　さらに、谷内の作庭的、抽象的な風景画は、やまと絵や日本美術に由来する風景表現や技法が背景にあるだろう。例えば、2連作や画面の分割は、日本美術における二曲一双などの組作品によって時間や空間を表現する画面形式を想起するだろう。そもそも屏風は、室内に立たせて鑑賞されるものであり、庭のように室内空間の構成要素になるものだ。

　今展で使用が目立った銀箔の不定形なかたちは、やまと絵で帯状の雲や霞のようなものが描かれる「すやり霞（やり霞）」の気象の表現や装飾的な技法を思わせる。線のリズミカルな構成は、和歌が記された色紙や扇を貼り交ぜ合わせた貼交屏風や扇面散らしを記号的に抽象化したようにも見える。

　以上から、谷内が本展で探求したのは、庭や屏風が多視点的な見方をもつ空間であるように、プリズムの光の現象を日本画材や日本美術、作庭の技法を通じて絵画の構成要素である色と線に見立てた「光の景」だった。庭やプリズム光のように鑑賞者のまなざしや身体の位置によって、絵画の空間知覚は移ろう。本展は、絵画とはプリズムのように、多様な見え方や知覚を媒介するものだと再認識させる展覧会だった。

平田剛志（美術批評）

 

[i] 青木茂『岩波近代日本の美術8　自然をうつす―東の山水画・西の風景画・水彩画』岩波書店、1996、3頁

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